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Getroffenes Breuer

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Rechristened das getroffene Breuer vergangenen März, stellt das ehemalige Whitney-Museum zusätzlichen Raum für die Sammlungen des Großstadtbewohners 20. und des 21. Jahrhunderts zur Verfügung. Um einen klaren Bruch in dieser historischen Verschiebung zu machen, hat der Kurator sich entschieden sich mit zwei Ausstellungen in sehr zurückgehaltenem Geschmack zu öffnen.

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Stehend an den Kreuzungen von Madison Avenue und von 75. Straße, sieht das getroffene Breuer wie ein unermessliches umgedrehtes ziggurat, ein Granitmonolith aus, der in den Boden gefahren wird. Eine „umgekehrte Pyramide“ ist, ein welcher Kritiker sie im Jahre 1966 nannte, als das Gebäude – entworfen vom großen modernistischen Architekten Marcel Breuer – geöffnet war. Es war dann Whitney Museum und also blieb es bis 2014, das Jahr, in dem das historische Kunstmuseum ankündigte, dass es auf das Meatpacking District und einen Neubau sich bewegte, die von Renzo Piano entworfen waren. Heute ist das prestigevolle im Norden Gebäude wieder geöffnet worden. Rechristened das getroffene Breuer am 18. März, stellt es zusätzlichen Raum für die Stadtsammlungen des museums zwanzigstes und des 21. Jahrhunderts zur Verfügung. Um einen klaren Bruch in dieser historischen Verschiebung von einem berühmten Museum zu anderen zu machen, hat der neue Kurator sich entschieden sich mit einer Wahl von Ausstellungen zu öffnen die das komplette Gegenteil der Kitschwelpen ist – die Arbeit von Jeff Koons – die die des Whitneys letzte Saison schloss. Sheena Wagstaff, vorher Tate Moderns in London, hat mit zwei Ausstellungen in sehr zurückgehaltenem Geschmack begonnen: „Unfertig: Die Gedanken gelassen sichtbar“ ist eine Untersuchung des Themas der unfertigen Kunst von der Renaissance zum Geschenk, während „Nasreen Mohamedi“ die Arbeit eines Künstlers vorstellt, der zur Öffentlichkeit, zu einem überraschenden Pionier des Minimalismus und zum experimentellen Design in Indien wenig bekannt ist. Beide Ausstellungen konzentrieren sich auf Entwürfe, ein hoch entwickeltes Thema, das an Ideen angeschlossen werden und die intellektuellere Seite der künstlerischen Arbeit. Sie sind ein klares Indiz der neuen redaktionellen Linie, am Museum genommen zu werden, das darauf abzielt, die des Mets enzyklopädischen Sammlungen in Dialog mit modernem und zeitgenössischer Kunst aus der ganzen Welt zu holen. Parallel an der Haupt-Website auf Fifth Avenue, bereiten sich sie vor, die Flügelwohnungskunst von zwanzig und einundzwanzigsten Jahrhunderten mit einer großen durch das David Chipperfield Architects-Studio entworfen zu werden Erweiterung umzustrukturieren. Der Kalender von zukünftigen Ereignissen ist sehr mannigfaltig. Im Juni gibt es Diane Arbus, mit einer Auswahl von selten gesehenen frühen Fotografien und dann von Kerry James Marshall, ein Forscher der afroen-amerikanisch Kultur. Im November die Scheinwerferverschiebungen zu den allgemeinen Entwürfen von Breuer selbst, durch die Fotografien von Luisa Lambri und von Bas Princen. Ob Sie ihn das Whitney oder getroffen nennen, wenn Sie das Gebäude, die Architekturdetails und die Lieferungslösungen eintragen, die immer überrascht sind. Im Eingang umfassen eine endlose Reihenfolge von Lichtern, wie Sonnenscheiben, die ganze Decke und bilden einen beträchtlichen leuchtenden Teppich, fast ein Tribut zu den Pulsierungszeichen der Broadway-Theater. In den Räumen oben, dringen ein Avantgardesystem von den bewegt zu werden Bahnen auf, einem Gitter die Ausstellungsgremien zu erlauben und die Beleuchtung, während komplexe Fenster Embrasures das Licht lassen, die Räume aber, ohne es schwierig überhaupt zu machen, die Arbeiten zu sehen ein, und schaffen ein Schachbrettmuster von unergründlichen Augen auf der externen Fassade des Gebäudes. Die Wiederherstellungswahlen, die von Beyer-Scheuklappe Belle Architects u. von den Planern getroffen werden, haben sorgfältig Breuers Philosophie, im festen Glauben gefolgt, dass Gebrauch und der Zeitablauf Materialien auszeichnet. Der bloße Stein und das konkrete, kennzeichnet von der Brutalistarchitektur, gewählt, weil sie zur Erde nah sind, sind einfach wieder.hergestellt worden zu ihrem Naturzustand. Die Blaukugelböden sind mit Naturölen poliert worden, während die hölzernen Balustraden von ihren Bedeckungen abgestreift worden sind und zurück zu ihrem ursprünglichen Mattende genommen worden. Alle neueren Interventionen sind entfernt worden. Auch gestellt schöne Eigenschaften wie die Kreisuhr im Atrium wieder her, und der Mechanismus des Gestells, das benutzt wird, um die Kleidung (ziemlich technologisch an seinem Tag) in der Garderobe zu sammeln ist jetzt noch einmal sichtbar, wie er im Entwurf war. Die Wiederherstellung zielte darauf ab, Aufmerksamkeit auf alle kleinen Eigenschaften, die, helfen dieses außerordentliche Gebäude keine kalte und entfernte Umwelt zu machen, aber einen menschlich-proportionierten Raum, fast ein vertrautes zu richten – eine gastfreundliche Idee von eleganten Salons, die dem Besucher nicht vorbei eingeschüchtert wird, aber eingeladen, um zu teilen und auszunutzen. Das Mittelstück der Öffnung ist offenbar „unfertig“: vierzig Prozent der Arbeiten über Show werden durch getroffen besessen und machen es das wichtigste Ereignis. Vereinbart über zwei Böden, wird die Ausstellung chronologisch durch Thema bestellt. Sie beginnt mit einem Zitat von Plinius den Ältesten, der die unfertigen Arbeiten der Künstler als Angebot von wertvollen Einblicken in ihre tatsächlichen Gedanken sah. Heraus stehen nahe dem Eingang ist Scapigliata LEONARDO, eine Arbeit über Darlehen von Parmas Galleria Nazionale. Nach Ansicht der Kunsthistoriker obgleich der ausgezeichnete Kopf ein unfertiges Porträt ist, verlassen die Wahl, zum des Gesichtes im Detail zu übertragen aber das gelockte Haar anspielte bloß auf war die Absicht des Künstlers von Anfang an. LEONARDO muss durch Apelles letzte Beschreibung von Venus angespornt worden sein, die der griechische Meister unfertig verließ, aber die nicht weniger von seinen griechischen Zeitgenossen deswegen bewundert wurde. Unter den Renaissancemeistern gibt es den faszinierenden Fall von Dürers Salvator Mundi, ein Ölgemälde an Bord, in dem die fein durchgeführte vorbereitende Zeichnung offenbar unter der Farbe sichtbar ist. Es wird gesagt, dass der Künstler absichtlich die Arbeit in diesem Übergangszustand ließ, um seine zeichnende Fähigkeit vorzuführen den Pupillen und Kunden, die sein Studio besichtigen. Der Turner-Raum, weiter an in der Ausstellung, macht eine enorme Auswirkung. Spätwerke werden zerrüttete Landschaften, reine atmosphärische Hervorrufungen der Landschaft. Kommt dann die Arbeit von Giacometti, ein gutes Beispiel der unaufhörlichen Unzufriedenheit. Der Künstler bekannt für zu seinen Arbeiten immer wieder zurückgehen – er betrachtete sie nie endgültig als fertige und häufig vorgenommene signifikante Veränderungen zu den Stücken, die bereits auf Show zur Öffentlichkeit gegangen waren. Ankommend im zweiten Stock, wird der Besucher von einer Reihe von Picassos und von einem Harlekin, der – eine klare Metapher für den modernen Künstler, eine Zahl nur halb-farbig ist, die per Definition unfertig ist begrüßt. Ein Raum wird dann dem Verhältnis zu unfertiger Kunst von den fünfziger Jahren vorwärts eingeweiht, die in die Arbeiten übersetzten, die in der Reihe oder in den Wiederholungen des gleichen Themas geschaffen wurden. Ein anderer Raum konzentriert sich auf Interaktion, wenn der Besucher zur Gesamtausgabe eingeladen ist, von Lichtenstein und von Warhol. Verschiedene Arbeiten, wie zwei Skulpturen in der Schokolade und in der Seife durch Janine Antoni, zeigen auch, dass unfertige Kunst die Gestalt der Zerstörung und des freiwilligen Zerfalls annehmen kann. Oder es wird eine Tat, die ein Selbstzweck, ein Prozess, wie in Rauschenbergs weißen Malereien, Arbeiten ist, die immer vor dem Werden neue etwas sind, da sie zyklisch von Rauschenberg und sogar von anderen Künstlern neu gestrichen werden. Zu zu schließen ist ein Spaziergang unter den Bäumen im Garten von Haus-mitstudio CY Twomblys in der italienischen Stadt von Gaeta. Die Arbeit ist eine Reihe von sechs Gremien – eine vorzüglich italienische Vision, dass der amerikanische Künstler ablehnte zu verkaufen und sie in seiner Privatsammlung zum Ende dieses Lebens hielt. Es ist schwierig, zu sagen, ob Twombly selbst sie sah, wie wirklich beendet.

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